Es mostren els missatges amb l'etiqueta de comentaris D'ART. Mostrar tots els missatges
Es mostren els missatges amb l'etiqueta de comentaris D'ART. Mostrar tots els missatges

dilluns, 14 de setembre del 2026

COVARD, INICIARÉ LA GELOR ... (DE JOSEP IGUAL)

 

 

X

Covard, iniciaré la gelor
per retrobar el llom de l'antiga empenta.
Esborro el senyal de l'alé a les branques,
el perfum humitejat de la meva ombra rentada.
 
Enlloc, reflectit en tants brolls de fonts
incògnites dubto constantment i em nego de
guardar el silenci clos a la resplandor;
que l'òliba és prop, entre els miralls dels
passadissos a ciutat, a l'aguait de
l'agossarada avançada del meu cos.

Impotent, em fuig el mot esmicolat dels llavis
llindars enllà al fons de l'esgotament.

Allunyat d'aquest sorral restarà el vel
eixut de la claror sense temps.

Lluny d'aquest esguard descalç i ufanós
creuaré la darrera cruïlla i m'enfonsaré perdent
l'equilibri al bosc de columnes del temps més vell.

Moriré ignorant la drecera del cim
sobre la mar plena escurada de boires


Josep Igual (1987:33). Treva d'hivern
(il·lustració generada amb chatgpt)

divendres, 4 de setembre del 2026

ARRIBA EL LUCAS MUSEUM OF NARRATIVE ART

 


Potser no tindrà allò que els crítics anomenen 'obres mestres', potser els seus films no tenen la profunditat ni complexitat dels hits de la Història del Cinema però si hi ha algú que ha deixat una empremta a l'hora de crear icones i sagues perdurables i en estat de plena salut aquest és el sr. George Lucas. Infravalorat o no prou valorat, en la meva opinió.

El sr. Lucas, el proper 22 de setembre inaugurarà una museu, el Lucas Museum of Narrative Art (Museu Lucas d'Art Narratiu), ubicat en el Exposition Park a Los Angeles. Es tracta d'una obra farònica que ha costat 1.500 milions de dòlars (que es diuen ràpid), amb un disseny futurista que recorda una nau espacial. 

El projecte ha estat impulsat i finançat pel sr. Lucas i la seva muller, l'empresària Mellody Hobson

Es tracta d'un espai -amb més de 40.000 peces- dedicat a l'art visual i la narració a través de la Història, incloent cinema, còmics, il·lustració, pintura i fotrografia. L'objectiu és posar en primera línia aquelles disciplines que no sempre han estat incloses en els museus tradicionals però que també han ajudat a crear Cultura i identitat col·lectiva, amb una clara intenció anti-elitista d'entendre l'Art i la Història de l'Art. 

L'espai -de 30.000 metrs quadrats i dissenyat per l'arquitecte xinès Ma Yansong- está configurat per 33 galeries, 2 teatres i zones verdes. Bona parta de la col·lecció és el material que el sr. Lucas ha anat acumulant durant 50 anys. 

Entre les peces exposades podem trobar obres de Firda Kahlo, Thomas Hart Benton, Kerry James Marshall, Diego Rivera, Charle White, Moebius, Frank Miller, Jack Kirby, Man Ray, Kenneth Anger, ... però les obres 'estrella', òbviament, serà el material al voltant d'Star Wars com una Starfighter Naboo N-1 a tamany real.

Una bona notícia, llàstima que ens quedi una mica lluny ...


dimecres, 27 de maig del 2026

'HOLA, FRIDA!' A LO SAFAREIG DE LO PATI

 

A la segona sessió de 'Mirades de Cinema', dins de les activitats de Lo Safareig de Lo Pati de cada dissabte a la tarda, us proposo una pel·lícula d'animació. 'Hola, Frida!' (2024) dirigida per Karine Vézina i André Kadi, co-produïda per Canadà i França.

El film parteix del llibre escrit per la canadenca Sophie Faucher i  il·lustrat per la mexicana Cara Carmina, amb el títol de Frida, c'est moi (2016). El llibre adreçat a un públic infantil reimaginava els primers anys de l'artista Frida Kahlo. Aquell llibre fou adaptat a una sèrie de 7 capítols i 5 minuts de durada per capítol. Aquell libre ha estat el que ara Karine i André han convertit en llargmetratge.

La idea es recrear en l'estètica del film l'univers pictòric i colorista de la mateixa Kahlo. Tot i la malaltia de l'artista durant la seva infància el film té un tractament amable i tranquil... a partir de la polimelitis la nena protagonista, la petita Frida, comença a presentar una imaginació desbordant i creant una identitat com a artista. El film també té un missatge d'empoderament femení, emancipació i resiliència però alló central és la capacitat de desplegar l'imaginari de Frida Kahlo amb els colors vius i les textures particulars.

Si el pimer film de 'Mirades de Cinema' ens parlava de memòria i imatge, el segon ens parla de creativitat i sensibilitat; situant l'Art i l'abordatge en el Cinema en el punt central de la proposta.

La podrem gaudir el DISSABTE 30/05 a les 17:00 a Lo Pati.


dilluns, 27 d’abril del 2026

divendres, 27 de febrer del 2026

'L'INFERNO DE DANTE' + POSTHUMA (MUSICA EN DIRECTE) AL CINECLUB LA RAPITA

 

Demà dissabte a les 20:00 tenim sessió especial al CineClub La Ràpita, tindrem l'ocasió de veure una de les primeres pel·lícules de terror de la Història del Cinema acompanyada de música en directe, planazo per a un dissabte al vespre!

El quartet de rock d'Onda POSTHUMA visita La Ràpita per a musicar en directe el film de cinema mut L'INFERNO DE DANTE de 1911 dirigida a sis mans per Francesco Bertolini, Adolfo Padovan i Giuseppe De Liguoro. Quan l'invent del Cinema només tenia 12 anys, aquests italians es van atrevir a adaptar una part de l'obra mestra de la literatura: 'La Divina Comedia' de Dante Aligheri, la part en la que Virgili i Dante transiten pels diferents cercles de l'infern. El film va comportar més de 3 anys de feina  i les escenes que mostren l'infern estan inspirades en la feina de l'artista francès Gustave Doré. Es tracta d'un film amb d'altres aspectes destacables, tenint en compte els mitjans de l'època: la quantitat d'actors/actrius en escena, la caracterització dels dimonis i amb l'afegit de tractar-se del primer film que ensenya el tors despullat d'una dona. La peli és una viatge 'de millora' del propi Dante, acompanyat de Virigili per terres infernals i la sortida del mateix.

'L'Inferno de Dante' és el primer llargmetratge europeu de la Història del Cinema que fou tot un èxit des de la seva estrena a Nàpols i, sobretot, quan fou estrenada als EEUU, on va recaptar més de 2 milions de dòlars, xifra brutal per l'època.

Es tracta d'un film que ja ha estat musicat en diverses ocasions: per Tangerine Dream (2004) i pel Col·lectiu Edison Studio (2011). POSTHUMA ofereix una banda sonora de rock instrumental remarcant atmosferes amb l'ús de sintetitzadors.

Així, doncs, tot i no tractar-se d'una obra mestra, el film té el mèrit de ser fundacional de moltes coses: primer llargmetratge, primer film de terror... motius suficients per gaudir-la en pantalla gran i amb el gran valor afegit de veure-la musicada en directe per POSTHUMA.

Acompanyeu-nos en aquest passeig per l'infern musicat demà a les 20:00 a l'Auditori Sixto Mir.

dilluns, 26 de gener del 2026

MASTERCLASS DEL SR. BELA TARR EN EL D'A 2025 AMB MANEL RAGA

El passat dia de Reis va morir el sr. Bela Tarr, un dels grans directors del cinema contemporani europeu. Una altre dia parlarem de la seva vida i obra, però avui, permeteu-me que us comparteixi la masterclass que va oferir el 23 de març de l'any passat,  dins de la programació del D'A 2025 en el que se li va entregar el Premi Honorífic del festival. L'entregra del premi anà acompanyada d'una masterclass del sr. Tarr, amb un conductor excepcional, un dels alumnes del mestre: el sr. Manel Raga.

El millor homenatge és veure el seu cinema ...

dimecres, 7 de gener del 2026

SR. ROB REINER


(1947-2025)

A mitjans de desembre moria uns dels directors que més pelis li hem d'agraïr totes aquelles persones que en l'adolescència devoràvem cinema durant els '80 i principis dels '90, de perles de l'època com: La princesa prometida, Cuando Harry encontró a Sally, Misery o Cuenta conmigo. El sr. Rob Reiner va ser actor, director, productor, guionista i activista polític.

El sr. Robert Norman Reine va néixer a Nova York i va morir a Los Angeles. Va néixer en una família jueva del barri del Bronx que es dedicava a l'espectacle, el seu pare -Carl Reiner- fou un reconegut actor, comediant i director i la seva mare -Estelle Reiner- una valorada actriu i cantant. Quan tenia 13 anys la família es va traslladar Los Ángeles, es va graduar a la Beverly Hills High School amb companys de classe com Richard Dreyfuss o Albert Brooks. Posteriorment, va estudiar cinema a la Universitat de Califòrnia a Los Angeles (UCLA).

Les primeres feines del sr. Reiner van ser com a guionista a The Smothers Brothers Comedy Hour (1968-69) però la seva oportunitat li arribà amb el paper de Michael 'Meathead Stivic a All the family que li va proporcionar 2 premis Emmy (1974 i 1978) i el va fer popular.

La seva primera pel·lícula per al cinema com a director fou el fals documental This Is Spinal Tap (1984), una satírica peli sobre el món del rock que s'ha convertit amb els anys en una peli de culte. Es decantà en els seus inicis per un cinema d'adolescent amb Cuenta conmigo (1986) -adaptació d'Stephen King- com a film important i amb la presència de tota una generació de novells rellevants: River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O'Connell i Kiefer Sutherland. Després s'encadenarien autèntics hits, un darrera l'altre, com La princesa prometida (1987), Cuando Harry encontró a Sally (1989), Misery (1990, també d'Stephen King per la que Kathy Bates guanyà un Oscar) i Algunos hombres buenos (1992) amb estrelles del moment com Tom Cruise i Demi Moore i guió d'Aaron Sorkin. Fou l'època daurada del sr. Reiner com a director.

El films posteriors no van aconseguir la rellevància de critica i públic d'aquells primers, El presidente y Miss Wade (1995), The Bucket list (2007) o LBJ (2016) no van estar a l'alçada d'aquells memorables films inicials.

Mentrestant, va continuar fent d'actor, amb films com El lobo de Wall Street (2013) o sèries com New Girl.

La seva darrera pel·lícula fou la segons part del seu film debut: Spinal Tap II: El final continua (2025). Tancant així el cercle de la seva carrera com a director de cinema. 

El final de la seva vida fou tràgic, van trobar els cossos morts d'ell (amb 78 anys) i la seva dona (Michele Singer) a casa seva, amb ferides d'arma blanca... les investigacions apunten a que el responsable podria ser el seu fill: Nick Reiner, tot i que se'n desconeixen els motius.

Personalitats de la política i l'espectacle van fer declaracions manifestant la vàlua del sr. Reine en el Cinema i en la Vida. Molt rellevant són les seves accions com a activista polític: com la reivinidicació del matriomini en parelles homosexuals o les seves darreres intervencions contra el govern del sr. Trump. 

Amb només 22 pel·lícules dirigides però amb unes 6 primeres de la seva filmografia que van deixar petjada en la Història del Cinema i en la memòria de molts adolscents, com és el cas del Ciutadà K. Amb una quarentena de papers com actor (un dels darrers a la sèrie  The Bear) i amb una desena de sèries escrites per ell. 

Molts cops nominat però amb molts menys premis del què la seva trajectòria i impacte cinematogràfic merexeiria. 

divendres, 28 de novembre del 2025

SR. PETER WATKINS


(1935-2025)

No es tracta d'un director conegut popularment i és una llàstima perquè les seves propostes cinematogràfiques, molt fidels al seu propi estil, són autèntiques perles. Sobre el sr. Watkins recau l'etiqueta de ser l'inventor del 'fals documental'....

L'endemà de fer 90 anys, el sr. Peter Watkins va morir. Havia nascut a Anglaterra tot i que al llarg de la seva vida va viure en diversos països, com: Canadà, Lituània o França. 

Amb no més de 15 produccions el seu estil marcadament polític i transgressor donen valor a totes i cadascuna de les seves pel·lícules. Va estudiar en el Christ College de Cambridge i després en la Royal Academy of Dramatic Art de Londres. Els seus inicis en el cinema foren com a assistent de Producció en publicitat fins que va començar a dirigir els seus primers produccions, autofinançades, a finals dels anys '50. El seu primer curt fou 'The Diary of an Unknown Soldier (1959) en el que ja planteja les constants del seu cinema: crítica a les institucions militars, evidenciar la destrucció de l'individu pel sistema i la tècnica de la 'reconstrucció realista' (la seva gran aportació a la Història del Cinema).

El segon curt -The Forgotten Faces (1961)- reconstrueix la revolució húngara de 1956. Aquests primers curts li van permetre aconseguir feina a la BBC.

El salt al llargmetratge arribaria 3 anys després amb Culloden (1964) en la que explica -mitjançant reconstrucció realista- la darrera batalla en terres angleses (el 1741) en la que s'enfrontaven diversos pobles dins de Gran Bretanya, i allà hi veiem uns periodistes (òbviament, en actitud i comportaments contemporanis) que entrevisten els diferents bàndols de que s'enfronten, 'estil Watkins' en estat pur. 

El seu primer reconeixement arribaria amb l'Oscar com a Millor Documental (tot i que no es tracti estrictament d'un documental) per a The War Games (1965)(també aconseguiria el Bafta i el premi especial en el Festival de Venezia). Es tracta d'un esfereïdor fals documental on s'explica la història de ciència-ficció d'un atac nuclear soviètic sobre Anglaterra, a l'estil de la recent Una casa llena de dinamita de la sra. Bigelow (que podeu veure a Netflix)... les imatges del film del sr. Watkins són tan terribles que la BBC no va permetre la seva estrena fins al 1985, després d'anys de lluita del seu director contra aquesta decisió. El sr. Watkins fou pioner a l'hora de mostrar al món el què podia significar una atac nuclear, després vindrien altres films que s'hi recrearien.

Un altre film rellevant -i molt contundent- és Punishment Park (1971), una ucronia rodada als USA  sobre un sistema de control estatal damunt les persones anti-sistema del país. Els detinguts podien escollir entre la presó o el Punishment Park; aquest segon consistia en la possibilitat de ser lliures si aconseguien fer 53 milles sense que fossins agafats per la policia. Aquests darrers els donaven una mica d'aventatge i els presoners havien de caminar pel desert durant 3 dies amb l'esperança de la llibertat... (argument que ens recorda molt a The long walk, la història d'Stephen King recent estrenada en els cinemes). Es tracta d'un film d'una contundència i veracitat realment esfereïdora tenint en compte que els actors i actrius que participen eren activistes i policies reals.

Altres films del sr. Watkins: Edward Munch (1973), recreant la vida d'aquest pintor; The seventies people (1974), sobre l'idílica vida a Dinamarca però sent el país amb més suïcidis del món o Resan: The Journey Documentary (1986), un documental de 14 hores que es va començar a rodar el 1982 i es va acabar el 1987 en la que diferents persones parlen sobre temes diversos: armes nuclears, despesa militar, pobresa, mitjans de comunicació... es va estrenar en el Festival de Toronto però no s'ha pogut projectar massa cops més.

El darrer film del sr. Watkins fou La Comuna (París, 1871)(2001). Un film de 6 hores, rodada amb només 13 dies en una fàbrica abandonada en el que s'explica la revolta de la classe treballadora en el París de 1871, el moment històric conegut, precisament, com a La Comuna

Estic convençut que si la seva producció cinematogràfica no va ser major fou degut a dificultats per a poder 'aixecar' els seus projectes, tenint en compte la seva actitud crítica contra el poder i l'establishment. Actitud expressada, fins i tot, quan ens parla de la vida d'artistes com Edward Munch, ja que no es limita només a mostrar-nos l'aspecte artístic del personatge sinó el context polític i històric que l'envoltava.

Sense cap mena de dubte, el seu és un cinema polític. Contundent i directe però amb un punt d'ironia i sentit de l'humor escenificat pels tocs contempranis que inocula en les recreacions històriques, sovint trencant la quarta paret amb actors i actrius (o hauríem de dir no-actors i no-actrius) parlant tot mirant directament a la càmera. El seu estil inconfussible ens mostra un cinema documental vibrant i trepidant, malgrat no poguem parlar de cinema documental en estat pur.

El sr. Watkins va lluitar durant tota la seva trajectòria professional contra el que anomenava 'la monoforma', aquella estructura narrativa estandaritzada que domina totalment els mitjans audiovisuals i que redueix tota complexitat a fòrmules digeribles, ritmes accelerats, resolucions simples... Contra això el sr Watkins plantejava films exageradament llargs, carregat de veus que es sobreposen i de debats que no es resolen; de films que plantegen moltes més preguntes que respostes. I no es tractava d'un plantejament elitista sinó com una forma d'evidenciar que la realitat és així i no com ens ven el 'cinema monoforma'.

I és que en un moment en el que la dreta més punyent està a l'ordre del dia i els autoritarismes resorgeixen, el cinema del sr. Watkins es planteja com un treball gairebé visionari i que ja en als anys '50 i '60 ens parlava de la colonització mediàtica de l'experiència humana, de la criminalització de la dissidència o de l'amnèsia col·lectiva... plenament vigent!.

El cinema del sr. Watkins, doncs, malgrat ser films del passat els podem adoptar com a autèntiques armes polítiques, un cinema vigent i actiu que ens pot ajudar a entendre la nostra realitat més immediata.

La millor forma de retre-li homenatge és descobrint el seu cinema o revisitant-lo. Tot i la dificultat de poder accedir al visionat de les seves produccions, a Filmin podeu trobar 4 de les seves millors i més rellevants pel·lícules.

dilluns, 17 de novembre del 2025

'LA MORT DOLÇA' DE NEFUR

 


LA MORT DOLÇA

 
Lo teu cosset respira
i l'altre que hi entra i surt
el fa dansar com la mar en calma
un dia sense vent.

Ahir
los teus ullets me buscaven
provant d'articular l'última paraula.

          Avui
miren cap a dins,
cap a la flama encesa dels últims dies.
iSento com encara t'escalfa al mig del pit.
 
Parpelles closes, boca oberta
cada glopada d'aire és un acte
afirmatiu.

Abans no despunte el dia
l'estrella d'hivern t'acaricia
en l'últimíssim èxtasi
en l'ultimíssima soltesa
                    en l'ultimíssim gest.

d'abandonar-te a la llum.



Nefur (Laura Guarch)(2025:41). 
Parca. No. 1, Nov 2025.

dijous, 13 de novembre del 2025

'BUKOWSKI: BORN INTO THIS' , INAUGURACIO DE RAPITA POETICA AL CINECLUB LA RÀPITA

 
Enguany, el CineClub La Ràpita torna a col·laborar amb Ràpita Poètica i torna a participar en la inauguració d'aquest esdeveniment cultural i literari. Aquest vespre, el documental 'Bukowski: Born into this' (2003) és la primera activitat de moltes que tindran lloc fins al diumenge vinent.

El documental escollit és el film definitiu sobre la figura de Charles Bukowski, el considerat 'escriptor maleït' d'estil provocador, de realisme brut, de caràcter exhibicionista.

Henry Charles Bukowski Jr. és un dels grans poetes dels EEUU i que molta gent té com a un autèntic ídol. El documental de John Dullaghan sorgeix de recopilar material durant 7 anys és un intent de fer entendre el per què d'aquesta idolatria. Amics, familiars, editors, admiradors i dones que van passar per la vida del sr. Bukowski es posen davant de la càmara per mostrar-nos el seus records al voltant d'un personatge alcohòlic, malalt, malparlat, violent... i valorat. També hi participen personalitats conegudes com Bono, Tom Waits o Sean Penn.

El film ens porta des del barri obrer de Los Angeles on es va criar Bukowski i on -segons ell- va aprendre a fer literatura a base de les pallises del seu pare, passant per l'oficina de correus en la que va treballar durant anys i tot el que va anar emplenant la seva vida: pobresa, èxit, borratxeres, viatges, més borratxeres... i, de tant en tant, la seva veu en off llegint-nos els seus versos. 

El sr. Bukowski és un anti-heroi no massa amic de Hollywood, l'únic guió que va escriure -i autobiogràfic- va ser per al film Barfly (1987), dirigida per Barbet Schroeder, en el que Mickey Rourke era el seu alter ego. No en va quedar gens content del resultat, considerava que el cinema imperant sobreposava allò bonic per damunt d'allò real.... tot i això, el seu exhibicionisme el feia lluir bé davant les càmares: sobreactuant i seduint.

Així doncs, si no coneixeu res de l'escriptor referent del 'realisme brut', Ràpita Poètica i el CineClub La Ràpita us ho posa fàcil. Avui a les 20:00 a l'Auditori Sixto Mir.

dilluns, 3 de novembre del 2025

BIOLOGIA DE BORJA DUÑÓ

 


BIOLOGIA

 
Mort, M-O-R-T, mort.
 
Mastega bé aquestes quatre lletres
i digues-les de nou ben fort:
mort 
              
Et fan mal i et fan por
et fan nosa i et són tabú                                            
i per això has mirat al cel, com dient:
no pot ser que això sigui tot
no pot ser que s'acabi aquí,
amb tot a mitges i tot a mig fer.

Amb aquest regust agredolç
d'una vida mig plena o mig buida,
de talls i ferides per les quals et dessagnes
tot i no tenir tall, ni ferida
del mal que et fa el mal dels altres
del patiment que també acaba sent el teu patiment.

Mira'm bé.
I ara escolta'm
 
No pots dur el pes del món sobre les teves espatlles nues.
No pots seguir carregant amb tot allò que és superior a tu.
No hi ha transcendència,
ni res a transcendir.
 
Viu i deixa morir.

Potser el vent aixecant la pols.
recordarà el buit que ha deixat la teva absència,
però ni els arbres ploraran
ni la terra plorarà.

Els mars seguiran batent les ones
i el sol aplacarà la runa
com si mai haguessis existit
i així és com la vida es val
de tu per regenerar-se.

No et deixis enganyar:
la teva ànima, qui creus ser
és una il·lusió del cos,
és l'os i la sang i el pulmó,
el múscul, el nervi i el tendó
i el batec que et fa creure i imaginar
somiar i especular
però res d'això quedarà
i si una vida més gran,
millor,
potser infinita i eterna.

La mort és vida.
La mort és bella.
La mort és flor.
La mort és meravella.
La mort és sacrifici
i es deu només a ella.
             

Borja Duñó (2025:61). Parca. No. 1, Nov 2025.

dijous, 30 d’octubre del 2025

'MUERTE EN VENECIA' AL CINECLUB LA RAPITA + AIDA - Hommage a trois


Com a darrera sessió del mes d'octubre, el CineClub La Ràpita torna a col·laborar 
amb l'Associació Internacional 'Duana de les Arts' (AIDA), una associació sense ànim de lucre que té l'objectiu de fomentar l'art i la literatura a través d'exposicions, concursos, premis, conferències, recitals, edicions... L'eix central de la seva activitat és el concurs anual d'art gràfic 'Hommage à trois', en el que les persones concursants han de realitzar la seva obra al voltant de 3 personatges literaris triats per l'associació, tenint en compte els corresponents aniversaris -de naixement o defunció- d'aquestes personatges.

Aquest 2025 els 3 personalitats escollides han estat Thomas Mann, Jane Austen i Hans Christian Andersen, als que li dedicaran activitats del 23 d'octubre al 09 de novembre. El CineClub La Ràpita participa en el Hommage à trois 2025 amb la projecció de Muerte en Venecia de Luchino Visconti, adaptació del llibre homònim del sr. Thomas Mann. Els amics i amigues d'AIDA ens proporcionen una ocassió perfecte per a poder gaudir en pantalla gran d'unes de les grans obres cinematogràfiques del cinema europeu i del mestre Visconti.

La novel·la curta del sr. Mann fou publicada l'any 1912 i 59 anys després, el sr. Visconti dirigiria l'adaptació al cinema. El film del director italià es situa, després de deixar la seva primera etapa neorrealista -Obsesión, La tierra tiembla i, sobretot, Rocco y sus hermanos- per a endinsar-se en una filmografia sofisticada, barroca, operística i amb contextos històrics -com Senso, Luis II de Baviera o El inocente-; de fet, no podem oblidar que el sr. Visconti també va ser director d'òpera. 

Les etiquetes que emmarquen la figura del sr. Visconti: aristòcrata, comunista i homosexual ens ajuden a entendre les seves obres cinematogràfiques. Bona parta dels seus films ens parlen del final d'una època, de les caigudes dels privilegis, de les dictadures, dels Déus... Bona part d'això veiem a 'Muerte en Venecia' (1971). Per començar, la ciutat que fou potència econòmica mundial, pont comercial entre Orient i Occident, espai exòtic per a les classes adinerades... va acabar (i és en l'actualitat) una façana de cartro pedra, aglutinador de turistes. L'esplendor de Venecia 'va morir' a principis del segle XX, com també està a punt de fer-ho el protagonista del film.

El film/llibre ens parla d'un intel·lectual aristòcrata (en el llibre un escriptor i en el film un compositor) el sr. Gustav von Aschenbach (els vincles amb Gustav Mahler són mútiples i el film només utilitza peces d'aquest compositor representant del postromanticisme), amb el cor feble va a Venezia a trobar un repòs que no troba a la seva Alemanya natal. Una feblesa física, però també emocional en haver perdut una filla abocant-lo a una inevitable crisis creativa. Un altre canvi en relació al llibre és que el film comença al tercer capítol i no vèiem la vida del protagonista a Munich; tot i que hi ha constància d'haver filmat algun pla allà, el sr. Visconti ho va descartar per a iniciar l'acció en el moment que el sr. von Aschenbach arriba a Venezia. 

El protagonista, l'actor Dirk Bordage, des de la seva primera aparició dalt del vaporetto ja ens transmet melanconia i abatiment. El sotrac li arriba al protagonista quan coincideix en el luxós hotel on està allotjat amb Tadzio, un jove polonès que despertarà en el compositor una irrefrenable atracció -aparentment platònica. Un  jove que el film té aspecte andrògin, en canvi en el llibre és com un efeb grec que en ambdós casos, contrasta amb la vellesa del protagonista. La joventut i bellesa d'un contrastarà amb maduresa i decrepitud de l'altre. Pulsions homosexuals latents que també es troben en bona part de l'obra literària del sr. Mann, pare d'una família exemplar amb 8 fills, però que, segons alguns biògrafs, diposità en les seves pàgines les ganes d'una 'vida homosexual' que no va tenir mai.

El jove Björn Andrésen (que ha mort fa uns pocs dies) que interpreta a Tadzio quedarà marcat per aquest paper la resta de la seva vida -com molt bé ens expliquen en el documental El chico más bello del mundo (2021). Paper per al que Miguel Bosé era un dels possibles candidats però el seu pare -el torero Luís Miguel Dominguín- s'hi va oposar (com explica el mateix Visconti en el seu migmetratge Alla ricerca di Tadzio de 1970).

El film ens parla del pas del temps i de com la Vida va marxant sense, potser, haver fet allò que haguéssim volgut fer; i ho fa mitjançant un film sensual, carregat de bellesa, de misteri. Una pel·lícula plena de detalls i simbolismes, com el gondoler: presència que ens parla d'un Caront que ens du amb la barca en el trajecte cap a la mort, el rellotge de sorra, el mirall en el que es reflexa un decadent protagonista, el flashback que ens el mostra encara atractiu... detalls que ens parlen, de nou, de la decadència i la proximitat de la mort. Tot un regal per als sentits gràcies al perfeccionisme i meticulositat del mestre Visconti.

La podreu gaudir avui dijous a les 20:00 a l'Auditori Sixto Mir.
 

dimecres, 8 d’octubre del 2025

'LA COPA DEL GENERALISIMO' DEL SR. EUGENIO MERINO AMB INDECLINE


El sr. Eugenio Merino és una artista que va nèixer a Madrid i al que li seguim la pista. Les seves obres extremadament polítiques tenen un sentit de l'humor més que suggerent i atractiu, amb una innegable fixació per les dictadures i la figura de Franco (maleït sia!).

Les seves escultures -com la brutal 'Franco always' en la que veiem la recreació del cos de Franco a tamany natural dins d'una nevera- són d'un impacte tremendo.

Un dels darrers projectes del sr. Merino juntament amb INDECLINE (col·lectiu artístic dels EEUU) ha estat 'La Copa del Generalísimo' en motiu del 50 aniversari de la mort de Franco. Es tracta de fer servir una reproducció a tamany natural del cap de Franco i fer-lo servir com a pilota de futbol. Un dels espais on ha tingut lloc tan 'curiós' partit ha estat en les trinxeres del camí de Les Coves del Tol, a Moià, en les que el 1939 foren l'escenari de la defensa de la República davant dels colpistes franquistes.

Com ens explica el projecte, després d'esclatar la Guerra Espanyola de 1936 totes les competicions esportives van quedar suspeses excepte el futbol, que es va continuant celebrant-se en zona republicana.... l'any 1940 el Torneo Nacional de Fútbol va passar a anomenar-se La Copa del Generalísimo, a major glòria del dictador. Sense dubte, el futbol es va convertir en un instrument de propaganda, control social, supremacia del régim i suposada unitat de país.

Així doncs, jugar un partit de futbol, en zona de trinxeres amb el cap de Franco és d'una justífica poètica i artística d'impacte innegable.

Continuarem estant alerta de les accions del sr. Merino ...




dimarts, 23 de setembre del 2025

EL MIRACLE DE LA 'TRESMALL', L'ANY 1992


 
Poc se'n parla de l'oasis que va significar la Revista Tresmall a les Terres de l'Ebre! Durant la meva època com a 'rapitenc adolescent' vaig tenir l'honor de formar part de l'equip de realització d'una proposta que fou capaç d'aglutinar les personalitats artístiques més rellevants en aquell moment a les Terres de l'Ebre.

'TRESMALL. Semestral de Llestres i Pintures' va estar impulsada per Eduard Sánchez, Ramon Rosales i Emili Rosales en un intent de reivindicar el territori des de la cultura i la intel·lectualitat. El primer número sortí al març de 1992 i acollia lo milloret del territori: Gerard Vergés, Ignasi Blanch, Manel Margalef, Jesus Masip, Ramon Miravall, Manuel Pérez Bonfill, Rafael Haro, Josep Igual, Flàvia Company... Els primers 8 exemples es van editar a La Ràpita però després l'edició fou traslladada a Tortosa.

Jo només tenia 18 anys i la participació en aquell projecte fou una de les primeres totxanes del meu bagatge d'interessos culturals; fou una de les meves primeres col·laboracions en quelcom 'important i seriòs'. Tot un luxe per a mi.

Considero que aquest projecte està massa oblidat i que es tracta d'una de les primeres passes dels intents actuals per aglutinar la producció cultural del territori; les coses que passen ara tenen un substrat en el passat... i la Tresmall ÉS substrat.

En ella es tocaven temes com les lletres, la lectura, les arts plàstiques amb monogràfics com el d'Arbó o l'imacte d''entrar' a Europa. Es combinaven les entrevistes, els article d'opinió, els poemes o les il·lustracions signats per les personalitats més il·lustres de la intel·lectualitat del territori.

Reivindico el paper de la Tresmall, doncs, i us animo a que localitzeu i revisiteu els seus valuosos continguts d'un 1992 en el que les Terres de l'Ebre bullia de creació cultural ... com ara. Tresmall és part de la pre-Història del moment actual.

dijous, 18 de setembre del 2025

DESCOBRIM 'EL ESCENARIO DE LA EXISTENCIA' DEL SR. JOAN-CARLES MÈLICH

 
El suplement Cultura|s de La Vanguardia ens dóna a conèixer el llibre guanyador del premi Nacional de Ensayo de 2022 -El escenario de la existencia- mitjançant una entrevista al seu autor: Joan-Carles Mèlich.

Ens han parlat tota la vida de la dicotomia interior/exterior en relació a l'ésser humà, creença en la que s'han aixecat disciplines, tècniques terapèutiques, corrents de pensament... Les conseqüències -fermament arrelades- són mútiples: des de pensar que la personalitat és quelcom innat, que anem enfortint, desenvolupant, però que és quelcom substancial a la persona en concret, que hem de treballar l''interior' (que és allò important), ens 'hem de conèixer'. Com totes les conseqüències, l'impacte pot ser positiu i negatiu; interessant, saber qui som i saber cap a on volem anar però, alhora, limitador, determinant i encorsetador. 

El sr. Mèlich en el seu assaig dinamita aquella tradició clàssica i tradicional per a afirmar-nos que "no hi ha vida interior", que no hi ha una identitat substancial, immòbil i immutable i afirma de forma contundent que "el jo és una exterioritat radical". Buf, detectar en una autor allò que tu portes anys pensant i madurant, (des del teu 'moment acadèmic' per terrenys de la Psicologia Social, la Sociologia i l'Antropologia) proporciona una satisfacció mental, un orgasme teòric que és difícil d'explicar en paraules: s'ha de viure... és aquella sensació de: "ostres, això és precisament el que jo penso,  tal i com ho està explicant aquestra persona".

Per al sr. Mèlich allò que anomenem 'identitat' existèix en tant que ens relacionem amb els altres, la personalitat és allò que s'estableix fora i enmig de dues persones; d'aquí que ens comportem de formes diferents depenent de la persona amb la que ens relacionem. El 'jo', doncs, seria quelcom construït en relació als altres.

Aquest plantejament inicial va unit a la qüestió 'teatral', la nostra vida és com un teatre i nosaltres adoptem els personatges que ens han assignat, per variables diverses: gènere, edat, classes social, nivell cultural.... aquest paràmetres ja ens fan executar uns rols i no uns altres i això és el que interioritzem per acabar dient que tenim 'una personalitat ' o una altra. 

Tenint en compte això, l''alteritat' és més important que el 'jo', perquè és aquell el què ens defineix... sols no seríem res ni ningú.

Això també té impacte en la memòria, perquè ja no resideix dins de cadascú de nosaltres, sinó 'fora', amb el vincle que estructurem amb els altres.

Òbviament, no pretenia resumir-vos tot el llibre, sinó anomenar les idees principals i, sobretot, ressaltar la importància del què implica aquest gir paradigmàtic: podem ser allò que vulguem ser (trencant patrons, guions i rols assignats: feina difícil) i allò realment important no és l'individu' sinó 'allò col·lectiu'.

Un altre dia en continuem parlant ....


dilluns, 1 de setembre del 2025

SOVINT RETORNO AL MOLL

 

SOVINT RETORNO AL MOLL;
resta encara l'espigó
on el teu nom fou
passió, prodigi i plor
d'un amor inabastable.
 
Esdevingué mort l'amor,
fatídica capbussada
en un mar on tot
era perfecte.
 
De tot allò,
roses i espines en queden.
Aroma de crisantems,
una antiga remor d'aigua.


Rafael Haro (2011:23). Els crisantems
(imatge generada per IA) 

dijous, 24 de juliol del 2025

UN JARDIN POR LA NOCHE (by David Lynch)

 


De manera que era pintor. Pintaba y asistía a la escuela de bellas artes. No me interesaban las películas. A veces iba al cine, pero yo solo quería pintar.

Un día estaba sentado en una sala enorme de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. La sala se dividía en cubículos pequeños. Yo estaba en el mío; serían las tres de la tarde. Me encontraba a medio pintar un cuadro de un jardín por la noche. Había mucho negro y plantas verdes que emergían de la oscuridad. De pronto, las plantas empezaron a moverse y oí el viento. ¡No iba drogado! Pensé que aquello era fantástico y comencé a preguntarme si el cine podría ser un modo de dar movimiento a la pintura.

Todos los años a final de curso se organizaba un concurso de pintura y escultura experimental. El año anterior había presentado una pieza al concurso y esta vez pensé: " Voy a hacer un cuadro móvil". Esculpía una pantalla -de 1,80 metros por 2,40 metros- sobre la que proyecté una película de animación stopmotion bastante rudimentaria. Se titulaba Six Men Getting Sick. Pensé que aquella sería toda mi carrera cinematográfica, porque hacer aquella película me había costado una fortuna: doscientos dólares. Sencillamente, no podía permitirme seguir por ese camino. Pero un alumno mayor que yo vio el proyecto y me encargó uno para su casa. Y así comenzó a rodar la bola. En adelante, solo me topé con semáforos en verde. Poco a poco -o salto a salto- me enamoré del medio cinematográfico.

David Lynch (2006:23-24. Atrapa el pez dorado, 2022

dilluns, 9 de juny del 2025

COMIENZOS (by DAVID LYNCH)

 


Comencé como una persona normal, me crié en el noroeste. Mi padre era un investigasdor del Departamento de Agricultura que estudiaba los árboles. Así que yo pasaba mucho tiempo  en el bosque. Y el bosque para un niño es mágico. Vivía en lo que suele considerarse un pueblo perqueño. Mi mundo se reducía al equivalente de una manzana urbana, tal vez dos. Todo ocurría en ese espacio. Todos los sueños, todos los amigos existían dentro de ese pequeño mundo. Pero a mí me parecía enrome y mágico. Tenía mucho tiempo para soñar y estar con los amigos.

Me gusta pintar y me gustaba dibujar. Y a menudo pensaba, equivocado, que cuando te haces adulto dejas de pintar y dibujar y te dedicas a cosas más serias. En noveno curso mi familia se mudó a Alexandria, en Virginia. Una noche, en el jardín delantero de la casa de mi novia, conocí a un tipo llamado Toby Keeler. Mientras charlàbamos, me contó que su padre era pintor. Pensé que tal vez se refiriese a pintos de brocha gorda, pero la conversación acabó revelándome que de hecho su padre era un excelente artista.

Aquella conversación cambió mi vida. Hasta entonces la ciencia me había despertado cierto interés, pero de pronto supe que quería ser pintor. Y quería llevar un vida de artista.

David Lynch (2006:19). Atrapa el pez dorado, 2022


dimarts, 3 de juny del 2025

SR. SEBASTIAO SALGADO


 (1944-2025)

Sense dubtar diria que el sr. Sebastiao Delgado és un dels meus fotògrafs preferits. De jove perseguia totes les seves exposicions i reportatges en el suplement de La Vanguardia. Sovint va rebre crítiques per la 'realitat' o no de les seves fotografies però el què fou capaç de fer -al final de la seva vida- repoblant els voltants de casa seva, en pocs anys, és realment impactant.

El sr. Salgado va morir la setmana passada, als 81 anys. Va néixer a Brasil, en una família benestant; el seu pare era terratinent i el sr. Salgado fou l'únic nen entre 7 germanes. El sr. Salgado va estudiar economia, arribant a doctorar-se a París. Fins l'any 1973 va treballar com a administratiu en la Organització Internacional del Cafè (OIC) a Londres, i en un viatge a Africa es va començar a dedicar a la fotografia, per tant, ja tenia certa edat i ho féu de forma autodidacta. Va començar treballant com a fotògraf a l'agència Gamma, després va passar a la prestigiosa Magnum fins que l'any 1994 va crear la seva pròpia agència: Amazonas Images, amb seu a París.

El seu treball fotogràfic es va centrar en el sociodocumental, especialitzant-se en països marcadament pobres, generalment fotografies en blanc i negre i amb la seva càmara Leica. Un dels seus treballs més coneguts són les fotografies a les mines d'or de Serra Pelada, al Brasil. Va arribar a viatjar a més de 100 països en els seus projectes fotogràfics, en sèries com 'Treballadors'o 'Èxodes'. L'any 2000, alguns mitjans i, sobretot, Susan Sontag el van criticar de fer pronografia de la pobresa i lucrar-se amb la misèria d'aquelles persones a les que fotografiava.

Als anys '90 del segle passat, amb la seva dona -Lélia Wanick, que feia d'editora de les seves obres i exposicions- van tornar a viure al Brasil, en un terreny heretat de la família del sr. Salgado, a Mines Gerais. Allà l'any 1998 van fundar l'Institut Terra i van reforestar la terra en la que vivien amb més de 4 milions de llavors d'especies nadives, arribant a recuperar 297 especies d'arbres. Es va anar apartant de la fotografia sociodocumental per a centrar-se en el medi ambient i el vincle ésser humà i natura... confuint en l'obra Gènesis.

El seu darrer treball fou Amazònia, una obra en la conflueixen la part social i la de medi ambient. 

Molt recomanable el film documental de Wim Wenders, La sal de la tierra (2014) per a conèixer la vida i l'obra del fotògraf.

El sr. Salgado és un mestre en l'ús de la llum natural i la composició, tenint un paper molt rellevant la geometria. Les seves obres parlen d'un certa narració visual en allò que ens mostra.